Dr. Lonnie Smith • AfroBlue

 

 

Review by Richard S. Ginell
After a long hiatus from the record shelves, the turbaned Dr. Lonnie Smith -- along with guitarist John Abercrombie and drummer Marvin "Smitty" Smith -- sets his sights upon John Coltrane, turning in five 'Trane tunes plus Mongo Santamaria's "Afro-Blue" and a grooving Smith tribute, "Traces of Trane." The propulsive title track is mostly dominated by Abercrombie, while "Impressions" continues the driving pace as Lonnie sprays Hammond B-3 organ notes all over the place with constant brief call-and-response dialogues with himself. Another highlight is one of the two breathers, the aptly named "Lonnie's Lament," which has a nice haunting lilt. Carelessly left off the label and booklet copy -- but embedded in your CD anyway -- is any mention of a 12-minute workout on "Greensleeves" in the push-pull, modal Coltrane manner, with a strong hint of Jimmy Smith. Abercrombie usually plays in his veiled, out-of-tempo manner, while "Smitty" is a volatile, hyperkinetic workhorse most of the time, offering a complex individualistic challenge to the Elvin Jones standard.
https://www.allmusic.com/album/afro-blue-mw0000023739


 Artist Biography
Organist Lonnie Smith has often been confused with keyboardist/pianist Lonnie Liston Smith -- and, in fact, more than a few retailers have wrongly assumed that they're one and the same.
In the mid-'60s, the Hammond hero earned recognition for his membership in George Benson's classic quartet before going on to play with Lou Donaldson (contributing some memorable solos to the alto saxman's hit 1967 album Alligator Bogaloo) and recording enjoyable dates of his own for Blue Note. For all their accessibility and commercial appeal, funk-influenced Smith sessions like 1968's Think and 1970's Drives showed that he could be quite imaginative. Smith, who later became Dr. Lonnie Smith (for "no particular reason," the same reason he gives for why he always wears a traditional Sikh turban), remained an inspired representative of soul-jazz, releasing his own albums like 1993's Afro Blue and continuing his long association with Donaldson.

The 21st century saw him step up the pace, releasing several albums, including a tribute to Beck, 2003's Boogaloo to Beck; an album of reworked and modernized jazz standards, 2006's Jungle Soul; and 2009's Rise Up! Smith and his trio members -- Jonathan Kreisberg, guitar; Jamire Williams, drums -- continued a relentless and tireless touring and recording schedule; he issued Spiral in 2010 on Palmetto with Matt Balitsaris producing, followed by the live album Healer in 2012. In 2016, Smith delivered Evolution, his first album for Blue Note since 1970's Drives. Produced by Don Was, it featured guest appearances from saxophonist Joe Lovano, pianist Robert Glasper, and others. Smith enlisted Was as a producer again, this time for a trio date entitled All in My Mind. Released in January of 2018, the set included two originals, a cover of Paul Simon's "50 Ways to Leave Your Lover" (featuring guest vocalist Alicia Olatuja), Wayne Shorter's "Juju," and Tadd Dameron's "On a Misty Night" in its track list.

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Reseña de Richard S. Ginell
Tras un largo paréntesis en las estanterías de los discos, el turbante Dr. Lonnie Smith - junto con el guitarrista John Abercrombie y el baterista Marvin "Smitty" Smith - pone sus ojos en John Coltrane, entregando cinco temas de 'Trane más el "Afro-Blue" de Mongo Santamaría y un grooving Smith tributo, "Traces of Trane". La propulsora pista del título está dominada en su mayor parte por Abercrombie, mientras que "Impresiones" continúa el ritmo de conducción mientras Lonnie rocía las notas del órgano B-3 de Hammond por todas partes con constantes diálogos breves de llamada y respuesta con él mismo. Otro punto culminante es uno de los dos respiradores, el acertadamente llamado "El lamento de Lonnie", que tiene una bonita inclinación inquietante. Descuidadamente dejado fuera de la copia de la etiqueta y el folleto - pero incrustado en su CD de todos modos - es cualquier mención de un entrenamiento de 12 minutos en "Greensleeves" a la manera de Coltrane modal, con un fuerte toque de Jimmy Smith. Abercrombie usualmente juega a su manera velada y fuera de ritmo, mientras que "Smitty" es un caballo de batalla volátil e hipercinético la mayor parte del tiempo, ofreciendo un complejo desafío individualista al estándar de Elvin Jones.
https://www.allmusic.com/album/afro-blue-mw0000023739



Biografía del artista
El organista Lonnie Smith se ha confundido a menudo con el teclista/pianista Lonnie Liston Smith - y, de hecho, más de unos pocos minoristas han asumido erróneamente que son uno y el mismo. A mediados de los años 60, el héroe de Hammond se ganó el reconocimiento por su pertenencia al cuarteto clásico de George Benson antes de pasar a tocar con Lou Donaldson (contribuyendo algunos solos memorables al exitoso álbum de 1967 del saxofonista alto Alligator Bogaloo) y grabando sus propias fechas de disfrute para Blue Note. A pesar de su accesibilidad y atractivo comercial, las sesiones de Smith con influencia funk, como Think de 1968 y Drives de 1970, demostraron que podía ser bastante imaginativo. Smith, que más tarde se convirtió en el Dr. Lonnie Smith (por "ninguna razón en particular", la misma razón que da por la que siempre lleva un turbante tradicional sikh), siguió siendo un inspirado representante del soul-jazz, lanzando sus propios álbumes como el Afro Blue de 1993 y continuando su larga asociación con Donaldson.

El siglo XXI lo vio acelerar el ritmo, lanzando varios álbumes, incluyendo un tributo a Beck, Boogaloo to Beck de 2003; un álbum de estándares de jazz reelaborados y modernizados, Jungle Soul de 2006 y Rise Up! de 2009. Smith y sus miembros del trío - Jonathan Kreisberg, guitarra; Jamire Williams, batería - continuaron con un programa de giras y grabaciones incesante e incansable; publicó Spiral en 2010 en Palmetto con la producción de Matt Balitsaris, seguido por el álbum en vivo Healer en 2012.
En 2016, Smith entregó Evolution, su primer álbum para Blue Note desde la década de 1970, Drives. Producido por Don Was, contó con la participación del saxofonista Joe Lovano, el pianista Robert Glasper y otros. Smith enlistó a Was como productor de nuevo, esta vez para una cita en trío titulada All in My Mind. Lanzado en enero de 2018, el conjunto incluyó dos originales, una versión de "50 Ways to Leave Your Lover" de Paul Simon (con la vocalista invitada Alicia Olatuja), "Juju" de Wayne Shorter, y "On a Misty Night" de Tadd Dameron en su lista de canciones. 

www.drlonniesmith.com

 

Lee Konitz • Sound of Surprise

 

Review
by Michael G. Nastos  
While Whitney Balliett coined the phrase "sound of surprise" to describe jazz, it also pretty well sums up the entire career of Lee Konitz, whose fluid, dynamic alto has been a constant source of inspiration, distinction, and clarity. This effort teams him with such empathetic instrumental foils as Ted Brown John Abercrombie Marc Johnson and Joey Baron, who are superb rhythmic navigators, plotting interesting paths for Konitz with metered maps of their own drafting. Brown, a quite literate tenor saxophonist much in the style of old Konitz confrere Warne Marsh, has never had much use for the music business, and is rarely heard anymore. But he drops in here, shining on four cuts. The loose, freewheeling "Hi Beck" finds Brown and Konitz in unison, then counterpointed on heads and tails, with Baron tastefully trading eights in between. They play individual lines during the course of the ballad "Soddy & Bowl" but are firmly welded together for "Thingin'," the now-obligatory Konitz adaptation of "All the Things You Are." With Abercrombie, who is much more reserved and less affected, they do a crisp bossa line of "Mr. 88," the swinging bopper "Friendlee," and "Crumbles," a good swinger with upper-register melody. The bluesy "Bits & Pieces" is randomly tossed about, as Johnson drops out and then saunters back in with a solo, as does the roiling Baron. The famous "Subconsciouslee" finds each member playing by himself, then together, then with solos and rhythmic backup. Baron is really head and shoulders above most drummers; his dynamic concept consistently commands attention. Yet another fine recording from Konitz, this adds to an already immense discography that seems to get broader and deeper as it lengthens.
https://www.allmusic.com/album/sound-of-surprise-mw0000604483

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Reseña
por Michael G. Nastos  
Aunque Whitney Balliett acuñó la frase "sonido de la sorpresa" para describir el jazz, también resume bastante bien toda la carrera de Lee Konitz, cuyo alto fluido y dinámico ha sido una fuente constante de inspiración, distinción y claridad. Este trabajo le acompaña con instrumentos tan empáticos como Ted Brown, John Abercrombie, Marc Johnson y Joey Baron, que son magníficos navegantes rítmicos, que trazan caminos interesantes para Konitz con mapas medidos de su propia autoría. Brown, un saxofonista tenor bastante instruido, muy del estilo del viejo colega de Konitz, Warne Marsh, nunca ha tenido mucha utilidad para el negocio de la música, y ya no se le escucha casi nunca. Pero aquí se deja caer, brillando en cuatro cortes. La suelta y desenfadada "Hi Beck" encuentra a Brown y Konitz al unísono, luego contrapunteando en cara y cruz, con Baron intercambiando ochos con buen gusto entre medias. Tocan líneas individuales durante el curso de la balada "Soddy & Bowl", pero se unen firmemente para "Thingin'", la ya obligatoria adaptación de Konitz de "All the Things You Are". Con Abercrombie, que es mucho más reservado y menos afectado, hacen una nítida línea de bossa de "Mr. 88", el swinging bopper "Friendlee", y "Crumbles", un buen swinger con melodía de registro superior. El blues de "Bits & Pieces" se lanza al azar, ya que Johnson se retira y luego vuelve a pasearse con un solo, al igual que el rugiente Baron. La famosa "Subconsciouslee" muestra a cada miembro tocando por sí mismo, luego juntos, luego con solos y apoyo rítmico. Baron está realmente por encima de la mayoría de los bateristas; su concepto dinámico llama constantemente la atención. Otra excelente grabación de Konitz, que se suma a una ya inmensa discografía que parece ser más amplia y profunda a medida que se alarga.
https://www.allmusic.com/album/sound-of-surprise-mw0000604483

John Abercrombie • Within A Song

 

 

Biography
Over a career spanning more than 40 years and nearly 50 albums, John Abercrombie established himself as one the masters of jazz guitar. Favoring unusual sounds (he played electronic mandolin on McCoy Tyner's 1993 album 4x4) and nontraditional ensembles (recent quartet recordings have included violinist Mark Feldman), Abercrombie was a restless experimenter, working firmly in the jazz tradition while pushing the boundaries of meter and harmony.” Born on December 16, 1944 in Port Chester, New York, Abercrombie grew up in Greenwich, Connecticut, where he began playing the guitar at age 14. Like many teenagers at the time, he started out imitating Chuck Berry licks.

But it was the bluesy music of Barney Kessel that attracted him to jazz. Abercrombie enrolled at Boston's Berklee College of Music and teamed up with other students to play local clubs and bars. One of those clubs, Paul's Mall, was connected to a larger club next door, the Jazz Workshop, where Abercrombie ducked in during his free time to watch John Coltrane and Thelonious Monk.

Abercrombie's appearances at Paul's Mall led to several fortuitous meetings. Organist Johnny Hammond Smith spotted the young Abercrombie and invited him to go on tour while he was still a student. During the same period, Ambercrombie also met the Brecker Brothers, who invited him to become a new part of their group Dreams, which would become one the prominent jazz-rock bands of the late 1960s and early 1970s. Abercrombie appears on the group's eponymous debut album.

After graduating from Berklee, Abercrombie headed to New York, where he quickly became one of New York's most in-demand session players. He recorded with Gil Evans, Gato Barbieri, and Barry Miles, to name a few. He was also a regular with Chico Hamilton?s group. “

But it was in Billy Cobham's band, which also featured the Brecker brothers, that Abercrombie first started to build a following. He was featured on several of Cobham's albums, including Crosswinds, Total Eclipse and Shabazz, all of which staked new ground in fusion jazz. The group was booked into large concert halls and arenas, appearing on bills with such top rock attractions as the Doobie Brothers. It was not, however, the direction Abercrombie had hoped his career would go. “One night we appeared at the Spectrum in Phildelphia and I thought, what am I doing here?” he said. “It just didn’t compute.”

In the early 1970s, Abercrombie ran into Manfred Eicher, who invited him to record for ECM. The result was Abercrombie's first solo album, Timeless, in which he was backed by Jan Hammer and Jack DeJohnette. Abercrombie's second album, Gateway, was released in November 1975 with DeJohnette and bassist Dave Holland; a second Gateway recording was released in June 1978.

He then moved on to a traditional quartet format, recording three albums on ECM—Arcade, Abercrombie Quartet, and M—with pianist Richie Beirach, bassist George Mraz and drummer Peter Donald. “It was extremely important to have that group for many reasons,” Abercrombie told AAJ in 2004. “It was, of course, a good band, but it was also my first opportunity to really be a leader and to write consistently for the same group of musicians.”

His second group, a trio with bassist Marc Johnson and drummer Peter Erskine, marked the first time he experimented with the guitar synthesizer. This gave him the opportunity to play what he called “louder, more open music” with a propulsive beat, demonstrated in the group's three releases, Getting There (featuring Michael Brecker) in 1987, Current Events in 1988, and John Abercrombie, Marc Johnson & Peter Erskine in 1989.

From there, he moved to partnerships that he would shuffle and reshuffle for the next 20 years. He reunited with his Gateway band members in 1995 for an album appropriately titled Homecoming, but not before forming yet a third ensemble that would make several recordings together. Abercrombie had long been enamored with the sound of jazz organ, so he teamed with organist Dan Wall and drummer Adam Nussbaum in While We Were Young and Speak of the Devil (both 1993) and, in 1997 Tactics. Another album, titled Open Land, added violinist Mark Feldman and saxophonist Joe Lovano to the mix.

His affiliation with Feldman, in a quartet that included Marc Johnson and drummer Joey Barron, ushered in a period of looser, freer, almost improvisatory playing. “I like free playing that has some relationship to a melody; very much the way Ornette Coleman used to write all those wonderful songs and then they would play without chords on a lot of them,” he told AAJ. In fact, Abercrombie's work from this period has been compared to chamber music, with its delicacy of sound and telepathic communication between musicians.

Throughout the 1990s and into 2000 and beyond, Abercrombie continued to pluck from the ranks of jazz royalty—and be plucked for guest appearances on other artists' recordings. One propitious relationship was with guitarist, pianist, and composer Ralph Towner, with whom Abercrombie has worked in a duet setting. (Abercrombie has also worked in guitar duos with John Scofield, for 1993's Solar and with Joe Beck in Coincidence, released in 2007). Abercrombie has also recorded with saxophonist Jan Garbarek and bassist Eddie Gomez. He recorded with a wide roster of ECM label artists for many years.

Abercrombie continued to tour and record to the end of his life. All of his later recordings were with the ECM label, a relationship that has spanned more than 40 years. As he told one interviewer, “I'd like people to perceive me as having a direct connection to the history of jazz guitar, while expanding some musical boundaries.” That, no doubt, will be his legacy.

In 2017, Abercrombie died of heart failure in Cortlandt Manor, New York, at the age of 72  
https://www.allaboutjazz.com/musicians/john-abercrombie

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Biografía
A lo largo de una carrera de más de 40 años y casi 50 álbumes, John Abercrombie se consolidó como uno de los maestros de la guitarra de jazz. Favorecedor de sonidos inusuales (tocó la mandolina electrónica en el álbum 4x4 de McCoy Tyner de 1993) y de conjuntos no tradicionales (las grabaciones recientes de cuartetos han incluido al violinista Mark Feldman), Abercrombie era un experimentador inquieto, que trabajaba firmemente en la tradición del jazz al tiempo que ampliaba los límites de la métrica y la armonía". Nacido el 16 de diciembre de 1944 en Port Chester, Nueva York, Abercrombie creció en Greenwich, Connecticut, donde empezó a tocar la guitarra a los 14 años. Como muchos adolescentes de la época, empezó imitando los licks de Chuck Berry.

Pero fue la música blues de Barney Kessel la que le atrajo al jazz. Abercrombie se matriculó en el Berklee College of Music de Boston y se asoció con otros estudiantes para tocar en clubes y bares locales. Uno de esos clubes, Paul's Mall, estaba conectado con otro más grande, el Jazz Workshop, donde Abercrombie se colaba en sus ratos libres para ver a John Coltrane y Thelonious Monk.

Las apariciones de Abercrombie en Paul's Mall dieron lugar a varios encuentros fortuitos. El organista Johnny Hammond Smith vio al joven Abercrombie y le invitó a ir de gira cuando aún era estudiante. En la misma época, Ambercrombie también conoció a los hermanos Brecker, que le invitaron a formar parte de su grupo Dreams, que se convertiría en una de las bandas de jazz-rock más destacadas de finales de los sesenta y principios de los setenta. Abercrombie aparece en el álbum de debut homónimo del grupo.

Tras graduarse en Berklee, Abercrombie se marchó a Nueva York, donde se convirtió rápidamente en uno de los músicos de sesión más solicitados de la ciudad. Grabó con Gil Evans, Gato Barbieri y Barry Miles, entre otros. También formó parte del grupo de Chico Hamilton. "

Pero fue en la banda de Billy Cobham, en la que también estaban los hermanos Brecker, donde Abercrombie empezó a ganar adeptos. Participó en varios álbumes de Cobham, como Crosswinds, Total Eclipse y Shabazz, que abrieron nuevos caminos en el jazz de fusión. El grupo fue contratado en grandes salas de conciertos y arenas, apareciendo en carteles con atracciones del rock como los Doobie Brothers. Sin embargo, no era la dirección que Abercrombie esperaba para su carrera. "Una noche actuamos en el Spectrum de Filadelfia y pensé: ¿qué estoy haciendo aquí? "No tenía sentido".

A principios de los 70, Abercrombie se encontró con Manfred Eicher, que le invitó a grabar para ECM. El resultado fue el primer álbum en solitario de Abercrombie, Timeless, en el que contó con el respaldo de Jan Hammer y Jack DeJohnette. El segundo álbum de Abercrombie, Gateway, se publicó en noviembre de 1975 con DeJohnette y el bajista Dave Holland; en junio de 1978 se publicó una segunda grabación de Gateway.

Luego pasó al formato tradicional de cuarteto, grabando tres álbumes en ECM-Arcade, Abercrombie Quartet y M-con el pianista Richie Beirach, el bajista George Mraz y el batería Peter Donald. "Fue muy importante tener ese grupo por muchas razones", dijo Abercrombie a AAJ en 2004. "Era, por supuesto, una buena banda, pero también fue mi primera oportunidad de ser realmente un líder y de escribir constantemente para el mismo grupo de músicos".

Su segundo grupo, un trío con el bajista Marc Johnson y el batería Peter Erskine, marcó la primera vez que experimentó con el sintetizador de guitarra. Esto le dio la oportunidad de tocar lo que él llamaba "música más ruidosa y abierta" con un ritmo propulsivo, demostrado en los tres lanzamientos del grupo, Getting There (con Michael Brecker) en 1987, Current Events en 1988, y John Abercrombie, Marc Johnson & Peter Erskine en 1989.

De ahí pasó a colaboraciones que barajaría y remodelaría durante los siguientes 20 años. Se reunió con los miembros de su banda Gateway en 1995 para un álbum titulado Homecoming, no sin antes formar un tercer grupo que grabaría varias veces juntos. Abercrombie llevaba mucho tiempo enamorado del sonido del órgano de jazz, así que formó equipo con el organista Dan Wall y el batería Adam Nussbaum en While We Were Young y Speak of the Devil (ambos de 1993) y, en 1997, Tactics. Otro álbum, titulado Open Land, añadió a la mezcla al violinista Mark Feldman y al saxofonista Joe Lovano.

Su colaboración con Feldman, en un cuarteto que incluía a Marc Johnson y al batería Joey Barron, marcó el comienzo de un periodo de interpretación más suelta, más libre, casi improvisatoria. "Me gusta tocar de forma libre pero con alguna relación con la melodía, como Ornette Coleman solía escribir todas esas maravillosas canciones y luego tocaba sin acordes en muchas de ellas", declaró a AAJ. De hecho, la obra de Abercrombie de este periodo se ha comparado con la música de cámara, por su delicadeza de sonido y la comunicación telepática entre los músicos.

A lo largo de la década de 1990, 2000 y siguientes, Abercrombie siguió desplumando a la realeza del jazz y siendo desplumado para participar como invitado en grabaciones de otros artistas. Una relación propicia fue con el guitarrista, pianista y compositor Ralph Towner, con quien Abercrombie ha trabajado a dúo. (Abercrombie también ha trabajado en dúos de guitarra con John Scofield, para Solar, de 1993, y con Joe Beck en Coincidence, publicado en 2007). Abercrombie también ha grabado con el saxofonista Jan Garbarek y el bajista Eddie Gómez. Grabó con una amplia lista de artistas del sello ECM durante muchos años.

Abercrombie siguió haciendo giras y grabando hasta el final de su vida. Todas sus últimas grabaciones fueron con el sello ECM, una relación que ha durado más de 40 años. Como dijo a un entrevistador: "Me gustaría que la gente percibiera que tengo una conexión directa con la historia de la guitarra de jazz, al tiempo que amplío algunos límites musicales". Ese, sin duda, será su legado.

En 2017, Abercrombie murió de insuficiencia cardíaca en Cortlandt Manor, Nueva York, a la edad de 72 años  
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John Abercrombie • Cat 'n' Mouse

 

 

Review by AllMusic
Aided by an all-star band, John Abercombie makes it clear on CAT 'N' MOUSE exactly why he continues to be regarded as one of jazz's most creative and progressive guitarists. He's possessed not only of fearsome chops, but a finely honed textural sensibility that enables him to move from the slinky lines and feathery tones of the opening cut "A Nice Idea" to the forward-looking experimentalism of "Convolution" and post-bop firestorm of "Stop and Go" without missing a beat. Yoemanlike work is done as well by violinist Mark Feldman, whose purity of tone is matched only by his ceaseless originality and succinct phrasing. On the album's numerous contemplative tunes, it's a pleasure to hear Abercombie and Feldman's lines cris-crossing, creating spontaneous tone poems that bear beauty and invention in equal measure.
https://www.allmusic.com/album/cat-n-mouse-mw0000218573

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Reseña de AllMusic
Ayudado por una banda de estrellas, John Abercombie deja claro en CAT 'N' MOUSE exactamente por qué sigue siendo considerado como uno de los guitarristas más creativos y progresivos del jazz. No sólo posee una técnica temible, sino también una sensibilidad textural muy afinada que le permite pasar de las líneas suaves y los tonos plumosos del primer corte, "A Nice Idea", al experimentalismo con visión de futuro de "Convolution" y a la tormenta post-bop de "Stop and Go" sin perder el ritmo. El violinista Mark Feldman, cuya pureza de tono sólo se ve igualada por su incesante originalidad y su fraseo sucinto, también realiza un gran trabajo. En las numerosas melodías contemplativas del álbum, es un placer escuchar cómo las líneas de Abercombie y Feldman se entrecruzan, creando poemas tonales espontáneos que contienen belleza e invención a partes iguales.
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Johnny 'Hammond' Smith • Storm Warning

Biography

Actually nicknamed after his instrument, Johnny "Hammond" Smith was perhaps one of the more underrated soul-jazz organists of the style's heyday. Born John Robert Smith in Louisville, KY, on December 16, 1933, Smith began learning piano as a child, idolizing Bud Powell and Art Tatum early on. After moving to Cleveland, Smith heard jazz organ pioneer Wild Bill Davis and decided to switch instruments; he made his professional debut on the organ in 1958, around the same time he was working as an accompanist for vocalist Nancy Wilson. In 1959, he began recording as a leader for Prestige, an association that would last through 1970 and produce highlights like That Good Feelin', Talk That Talk, Black Coffee, Open House, Ebb Tide, and Soul Talk, among others. As time passed, Smith's style got progressively funkier, and in 1971, he shortened his name to Johnny Hammond and moved to producer Creed Taylor's CTI label family. Hammond recorded five jazz-funk albums over the next three years, including Breakout, Wild Horses/Rock Steady, and the Mizell Brothers-helmed Gambler's Life. In 1975, Hammond moved to Milestone and recorded the culmination of his move into jazz-funk, Gears, another collaboration with the Mizell Brothers that was reviled by purists and canonized by acid jazz fans. After a few more sessions for Milestone, Smith largely retired from jazz, settling in Southern California and investing in real estate. He began recording sporadically again in the '90s, but was stricken with cancer and died on June 4, 1997. ~ Steve Huey

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Biografía

Actualmente apodado así por su instrumento, Johnny "Hammond" Smith era quizás uno de los organistas de soul-jazz más infravalorados de la época de apogeo de este estilo. Nacido John Robert Smith en Louisville, KY, el 16 de diciembre de 1933, Smith comenzó a aprender piano de niño, idolatrando a Bud Powell y Art Tatum desde muy temprano. Después de mudarse a Cleveland, Smith escuchó al pionero del órgano de jazz Wild Bill Davis y decidió cambiar de instrumento; hizo su debut profesional en el órgano en 1958, más o menos al mismo tiempo que trabajaba como acompañante de la vocalista Nancy Wilson. En 1959, comenzó a grabar como líder de Prestige, una asociación que duraría hasta 1970 y produciría obras destacadas como That Good Feelin', Talk That Talk, Black Coffee, Open House, Ebb Tide y Soul Talk, entre otras. Con el paso del tiempo, el estilo de Smith se volvió progresivamente más funky, y en 1971, acortó su nombre a Johnny Hammond y se mudó a la familia de etiquetas CTI del productor Creed Taylor. Hammond grabó cinco álbumes de jazz-funk en los próximos tres años, incluyendo Breakout, Wild Horses/Rock Steady y The Mizell Brothers-helmed Gambler's Life. En 1975, Hammond se mudó a Milestone y grabó la culminación de su paso al jazz-funk, Gears, otra colaboración con los Mizell Brothers que fue vilipendiada por puristas y canonizada por fanáticos del jazz ácido. Después de unas cuantas sesiones más para Milestone, Smith se retiró del jazz, estableciéndose en el sur de California e invirtiendo en bienes raíces. Comenzó a grabar esporádicamente de nuevo en los años 90, pero sufrió de cáncer y murió el 4 de junio de 1997. ~ Steve Huey

 

 

Larry Coryell, Badi Assad & John Abercrombie • Three Guitars

 

Review
by Ken Dryden
It's rare for three guitarists of this caliber to be assembled for a recording date. John Abercrombie claimed that he hadn't touched his acoustic guitar for three years prior to receiving an invitation to make this recording, though he was obviously ready when the tape rolled. Larry Coryell has made a number of acoustic recordings prior to this disc. Badi Assad's three previous CDs for Chesky have all merited high praise.

Assad contributed five compositions to the session, though the stunning opener, "Seu Jorge e Dona Ica," is hard to beat. She initially accompanies her fellow guitarists on a percussive instrument called a kalimba, which sounds like it originates from Africa. This six-minute work has several distinctive sections, including a bit of her mouth percussion. Her "After the Rain" showcases the intricate interplay between the three guitarists. The moody, march-like "Metamorphosis" also proves compelling, while her switch to copper flute with an interspersing vocal transforms the piece into borderline avant-garde.

Assad's body percussion introduces Abercrombie's challenging "Descending Grace," a piece full of surprising twists. His "Ralph's Piano Waltz" is every bit as difficult, but the players seem to tackle it effortlessly.

Coryell also brought several of his pieces to the sessions. "New Lute Prelude" was inspired by the late Brazilian guitarist Laurindo Almeida, it serves as a brief introduction to the much more laid-back "New Lute Interlude." He also composed two duets to play with Assad. The wild "No Flight Tonight" features her vocals and incredible mouth and body percussion as the sole accompaniment for Coryell. They also walk a musical tightrope together in his "Exercise in Fourths" without any slips. Highly recommended.
https://www.allmusic.com/album/three-guitars-mw0000040676

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Reseña
por Ken Dryden
Es raro que tres guitarristas de este calibre se reúnan para una cita de grabación. John Abercrombie afirmó que no había tocado su guitarra acústica durante tres años antes de recibir una invitación para hacer esta grabación, aunque obviamente estaba listo cuando rodó la cinta. Larry Coryell ha realizado varias grabaciones acústicas antes de este disco. Los tres CD anteriores de Badi Assad para Chesky han merecido grandes elogios.

Assad contribuyó con cinco composiciones a la sesión, aunque la impresionante primera, "Seu Jorge e Dona Ica", es difícil de superar. Inicialmente acompaña a sus compañeros guitarristas con un instrumento de percusión llamado kalimba, que suena como originario de África. Esta obra de seis minutos tiene varias secciones distintivas, incluyendo un poco de su percusión bucal. After the Rain" muestra la intrincada interacción entre los tres guitarristas. La "Metamorfosis", de carácter melancólico, también resulta convincente, mientras que su cambio a la flauta de cobre, con una voz intercalada, transforma la pieza y la sitúa al borde de la vanguardia.

La percusión corporal de Assad introduce la desafiante "Descending Grace" de Abercrombie, una pieza llena de giros sorprendentes. Su "Ralph's Piano Waltz" es igual de difícil, pero los músicos parecen abordarla sin esfuerzo.

Coryell también aportó varias de sus piezas a las sesiones. "New Lute Prelude", inspirada en el fallecido guitarrista brasileño Laurindo Almeida, sirve de breve introducción a la mucho más relajada "New Lute Interlude". También compuso dos duetos para tocar con Assad. El salvaje "No Flight Tonight" presenta su voz y una increíble percusión bucal y corporal como único acompañamiento para Coryell. También caminan juntos por la cuerda floja musical en su "Exercise in Fourths" sin ningún desliz. Muy recomendable.
https://www.allmusic.com/album/three-guitars-mw0000040676

Royce Campbell • 6 x 6

 

Review by Michael P. Gladstone (All About Jazz):
These sessions appeared on Campbell's own Paddlewheel Records, which was a subsidiary of the Japanese King label. They were released in the United States on Evidence. At that time, Royce Campbell was approached regarding a new project that would team the guitarist with five leading jazz plectrists of his choice. The resulting album, 6 X 6, featuring Campbell in performance with John Abercrombie, Larry Coryell, Pat Martino, Bucky Pizzarelli and Dave Stryker, was released in 1994 in Japan and later in Europe to critical praise. One decade later, the album is finally being made available in the US, retitled Six By Six. Each of the guest guitarists is given two tracks apiece with, essentially, their own bassist and drummer, and Royce Campbell is the second guitarist on each of the selections, providing rhythm and the opportunity to trade fours with the respective players.
https://www.allaboutjazz.com/six-by-six-royce-campbell-moon-cycle-review-by-michael-p-gladstone

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Reseña de Michael P. Gladstone (All About Jazz) - Traducción:
Estas sesiones aparecieron en el sello propio de Campbell, Paddlewheel Records, que era una subsidiaria del sello japonés King. Fueron lanzadas en los Estados Unidos por Evidence. En ese momento, Royce Campbell fue contactado con respecto a un nuevo proyecto que uniría al guitarrista con cinco destacados plectristas de jazz de su elección. El álbum resultante, 6 X 6, con Campbell en actuación con John Abercrombie, Larry Coryell, Pat Martino, Bucky Pizzarelli y Dave Stryker, fue lanzado en 1994 en Japón y posteriormente en Europa con elogios de la crítica. Una década después, el álbum finalmente está siendo puesto a disposición en los EE. UU., retitulado Six By Six. A cada uno de los guitarristas invitados se le dan dos pistas cada uno con, esencialmente, su propio bajista y baterista, y Royce Campbell es el segundo guitarrista en cada una de las selecciones, proporcionando ritmo y la oportunidad de intercambiar cuartos con los respectivos músicos.
https://www.allaboutjazz.com/six-by-six-royce-campbell-moon-cycle-review-by-michael-p-gladstone

Jack DeJohnette • Works

 

John Abercrombie • Timeless

 

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Gil Evans • Plays The Music Of Jimi Hendrix

 

Gil Evans was a huge admirer of the music of Jimi Hendrix – so much so, in fact, that he resolved to collaborate with the guitarist on projects. A meeting between the two had been arranged for September 1970 but Hendrix overdosed just before his trip to New York and with that impetus obviously faltered. Four years later, however, Evans returned to Hendrix’s music to record a tribute album with a 19-man orchestra. He presented the music at a Carnegie Hall concert, part of the New York Jazz Repertory Company’s programming for that year, and took it into the RCA studios the following day.

The band included such heavyweights as guitarist John Abercrombie, trumpeter Marvin Peterson and saxophonists David Sanborn and Billy Harper. The orchestrations involve a wide range of instrumentation but of the nine songs, only two are definitively Evans’ arrangements.
https://www.jazzmessengers.com/en/27355/gil-evans/plays-the-music-of-jimi-hendrix

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Gil Evans era un gran admirador de la música de Jimi Hendrix, tanto que decidió colaborar con el guitarrista en varios proyectos. Se había concertado una reunión entre ambos para septiembre de 1970, pero Hendrix sufrió una sobredosis justo antes de su viaje a Nueva York y, con ello, el impulso se desvaneció. Sin embargo, cuatro años más tarde, Evans volvió a la música de Hendrix para grabar un álbum tributo con una orquesta de 19 músicos. Presentó la música en un concierto en el Carnegie Hall, dentro de la programación de la New York Jazz Repertory Company para ese año, y al día siguiente la llevó a los estudios RCA.

La banda incluía a pesos pesados como el guitarrista John Abercrombie, el trompetista Marvin Peterson y los saxofonistas David Sanborn y Billy Harper. Las orquestaciones incluyen una amplia gama de instrumentos, pero de las nueve canciones, solo dos son arreglos definitivos de Evans.
https://www.jazzmessengers.com/en/27355/gil-evans/plays-the-music-of-jimi-hendrix

John Abercrombie & Ralph Towner • Sargasso Sea

 

Review by Michael G. Nastos
John Abercrombie and Ralph Towner have forever been tied to the ECM roster as leaders and individualists, and initially it was hard to imagine their styles being compatible. As an amplified electric guitarist, Abercrombie's steely, sometime unearthly sound was an uneven puzzle piece alongside the graphic, stoic, classically oriented style of Towner. Yet on Sargasso Sea, there are several instances where they merge together as one, feeling their way through pure improvisations, angular and colorful motifs, or thematic nuances and a certain strata of consciousness that makes a world of common sense. There are selections where they both play acoustic guitars, but it is mostly Abercrombie's hopped up sound through an amp over Towner's bold and beautiful unplugged instrument, tossing in a piano overdubbed on two tracks. Where selections such as "Fable" are folksy and far from overwrought, "Avenue" lopes gracefully and the exceptional "Parasol" is semi-lyrical. Abercrombie's guitar stands in stark contrast on the near macabre title track, and more so during "Elbow Room" with heavier moans, cries, vibrato, echoplex slide incursions, and Towner as an afterthought. The best track "Staircase," with twin acoustic guitars, sports tricky intricate lines and changes only virtuosi can achieve. In laid-back surrender for "Romantic Descension," and in passive voicings on "Over & Gone," Towner need not strain to make his brilliant voice heard clearly. An uneven recording for many listeners and critics, Sargasso Sea deserves a second chance, not as an absolutely flawed, imperfect, or unbalanced effort. Like a tale of two cities, it stands as a unique project, perhaps deserving a more refined approach. Though there was a follow-up album released, a third-time's-the-charm contemporary revisit from these masterful guitar geniuses would be welcome. 
https://www.allmusic.com/album/sargasso-sea-mw0000198776


Delightful introduction to the guitar duo of Abercrombie and Towner, whose strikingly different styles prove remarkably compatible. Towner: “With Abercrombie I can play as much as when playing solo and still get to ply my skills as accompanist.”
https://ecmrecords.com/product/sargasso-sea-john-abercrombie-ralph-towner/

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Reseña de Michael G. Nastos
John Abercrombie y Ralph Towner siempre han estado vinculados a la lista de ECM como líderes e individualistas, e inicialmente era difícil imaginar que sus estilos fueran compatibles. Como guitarrista eléctrico amplificado, el sonido acerado y en algún momento sobrenatural de Abercrombie era una pieza desigual del rompecabezas junto con el estilo gráfico, estoico y de orientación clásica de Towner. Sin embargo, en el mar de los Sargazos, hay varios casos en los que se fusionan como uno solo, abriéndose camino a través de puras improvisaciones, motivos angulosos y coloridos, o matices temáticos y ciertos estratos de conciencia que crean un mundo de sentido común. Hay selecciones en las que ambos tocan guitarras acústicas, pero en su mayoría es el sonido mejorado de Abercrombie a través de un amplificador sobre el audaz y hermoso instrumento desenchufado de Towner, lanzando un piano sobregrabado en dos pistas. Donde selecciones como "Fábula" son folclóricas y están lejos de ser exageradas, "Avenue" lopes con gracia y la excepcional "Parasol" es semi-lírica. La guitarra de Abercrombie contrasta marcadamente en la pista principal casi macabra, y más aún durante "Elbow Room" con gemidos, gritos, vibrato, incursiones en toboganes echoplex y Towner como idea de último momento. La mejor pista "Staircase", con guitarras acústicas gemelas, líneas intrincadas y complicadas y cambios que solo los virtuosos pueden lograr. En una rendición relajada para "Romantic Descension", y en voces pasivas en "Over & Gone", Towner no necesita esforzarse para que su brillante voz se escuche con claridad. Una grabación desigual para muchos oyentes y críticos, Sargasso Sea merece una segunda oportunidad, no como un esfuerzo absolutamente defectuoso, imperfecto o desequilibrado. Como una historia de dos ciudades, se erige como un proyecto único, quizás mereciendo un enfoque más refinado. Aunque se lanzó un álbum de seguimiento, sería bienvenida una tercera revisión contemporánea del encanto de estos magistrales genios de la guitarra. 
https://www.allmusic.com/album/sargasso-sea-mw0000198776


Deliciosa introducción al dúo de guitarras de Abercrombie y Towner, cuyos estilos sorprendentemente diferentes resultan notablemente compatibles. Towner: "Con Abercrombie puedo tocar tanto como cuando toco solo y aún así desarrollar mis habilidades como acompañante.”
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Lonnie Smith Trio • Føxy Lady

 

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Lonnie Smith Trio • Purple Haze

 

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Abercrombie-Nussbaum-Mraz-Laverne • Farewell

 

Review
by Ken Dryden
This 1993 recording is a follow-up to an earlier duo session by Andy LaVerne and John Abercrombie, although they add bassist George Mraz and drummer Adam Nussbaum for this date. Following a rather upbeat, introspective arrangement of the standard "Beautiful Love," they stick to originals by either the pianist or the guitarist. LaVerne's "Mother of Pearl" is a shimmering post-bop work that is full of surprises, while "Opal" is a treasure of a different sort, prominently featuring Abercrombie's brittle-sounding electric guitar. Abercrombie's "Monk Like" has a quirky line much like its namesake might employ, and the unpredictable ballad "Farewell" serves as an appropriate conclusion to this enjoyable CD.
https://www.allmusic.com/album/farewell-mw0000060546

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Reseña
por Ken Dryden
Esta grabación de 1993 es la continuación de una sesión a dúo anterior de Andy LaVerne y John Abercrombie, aunque en esta ocasión añaden al bajista George Mraz y al batería Adam Nussbaum. Tras un arreglo bastante optimista e introspectivo del estándar "Beautiful Love", se centran en temas originales del pianista o del guitarrista. Mother of Pearl" de LaVerne es una brillante obra post-bop llena de sorpresas, mientras que "Opal" es un tesoro de otro tipo, en el que destaca la frágil guitarra eléctrica de Abercrombie. Monk Like" de Abercrombie tiene una línea extravagante muy parecida a la que podría emplear su tocayo, y la impredecible balada "Farewell" sirve de conclusión apropiada a este agradable CD.
https://www.allmusic.com/album/farewell-mw0000060546

Copland-Abercrombie-Wheeler • Brand New

 

The second release of this marvelous trio. Each of these men are well established leaders in their own right. Kenny Wheeler, giant of European Jazz, composer, truly original improviser, with an individual sound and approach to music that will enter your soul instantly; John Abercrombie, a remarkable guitarist, well known for his collaborations with Dave Holland and Jack DeJohnette, known for his work as a leader since many years, but also known from groups with Charles Lloyd and many others. The pianist that initiated the trio: Marc Copland, one of the real poets of the instrument. These three men created a transparent music that balances on the edge, that is strong at some times, vulnerable at other moments; many times surprising, mostly lyrical, often melancholy, but always real. The linear, counterpoint approach is strengthened by the absence of bass and drums. Three instruments, weaving their lines together into an intricate patchwork of golden melodies.

This time, producer Hein Van de Geyn took the band into a lovely little church in Tilburg (Holland). Here they found the right atmosphere, a truly exceptional Steinway, and the acoustics to record the music in the best way. During two relaxed, yet intense days the music was put down on tape and was later mixed in the excellent studio LeRoy in Amsterdam. Similar to the first recording of the trio, we have a repertoire that gives us compositions of all three players, and a very special rendition of Nat Adderley’s famous song “Work Song” as well as one tune from the standard repertoire: “Taking A Chance On Love”. A magic band, a magic recording.
https://www.freshsoundrecords.com/marc-copland-john-abercrombie-kenny-wheeler-albums/47636-brand-new.html

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El segundo lanzamiento de este maravilloso trío. Cada uno de estos hombres son líderes bien establecidos por derecho propio. Kenny Wheeler, gigante del Jazz europeo, compositor, improvisador verdaderamente original, con un sonido individual y un enfoque de la música que te entrará en el alma al instante; John Abercrombie, un guitarrista notable, conocido por sus colaboraciones con Dave Holland y Jack DeJohnette, conocido por su trabajo como líder desde hace muchos años, pero también conocido por grupos con Charles Lloyd y muchos otros. El pianista que inició el trío: Marc Copland, uno de los verdaderos poetas del instrumento. Estos tres hombres crearon una música transparente que se equilibra al límite, que es fuerte en algunos momentos, vulnerable en otros momentos; muchas veces sorprendente, sobre todo lírico, muchas veces melancólico, pero siempre real. El enfoque lineal y de contrapunto se ve reforzado por la ausencia de bajo y batería. Tres instrumentos, entrelazando sus líneas en un intrincado mosaico de melodías doradas.

Esta vez, el productor Hein Van de Geyn llevó a la banda a una pequeña y encantadora iglesia en Tilburg (Holanda). Aquí encontraron la atmósfera adecuada, un Steinway verdaderamente excepcional y la acústica para grabar la música de la mejor manera. Durante dos días relajados pero intensos, la música fue grabada y luego mezclada en el excelente estudio LeRoy de Amsterdam. Al igual que en la primera grabación del trío, tenemos un repertorio que nos brinda composiciones de los tres intérpretes y una interpretación muy especial de la famosa canción "Work Song" de Nat Adderley, así como una melodía del repertorio estándar: "Taking A Chance". Enamorado". Una banda mágica, una grabación mágica.
https://www.freshsoundrecords.com/marc-copland-john-abercrombie-kenny-wheeler-albums/47636-brand-new.html

John Abercrombie & Andy LaVerne • A Nice Idea

 

 
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John Abercrombie • Concert

 

abercrombiefilm.com ...

Colaborador / Contributor:  Mich58

Joseph Tawadros • The Hour Of Separation

 

 

Biography
by James Manheim
Joseph Tawadros is among the world's greatest players of the oud, a stringed instrument characteristic of the art music systems of the Arab world. He is especially notable for the range of his collaborations with classical, jazz, and pop musicians.

Tawadros was born in Cairo in 1983. His family moved to Australia when he was three, but he has maintained connections with the eastern Mediterranean region, serving on prize juries for oud competitions in Damascus, Syria, and Istanbul, Turkey. At first, Tawadros wanted to play the trumpet, but when he was eight, he saw a film about Egyptian popular singer Sayed Darwish and decided to take up a more characteristically Egyptian instrument. Tawadros studied at the University of New South Wales, earning a bachelor's degree in music. He also took lessons on various instruments on trips to Egypt, including the violin (in an Arabic style) with Esawi Dagher, the nay bamboo flute, the qanun zither, and the cello, as well as the oud. He is also a composer who has written music for four films, including the 2017 hit Ali's Wedding. Tawadros has toured on four continents, generally collaborating with musicians from other spheres. His collaborators include classical ensembles (the Australian Chamber Orchestra, the Academy of Ancient Music in London, where he became the only Australian composer of any type to have his music performed, and the Sydney Symphony); jazz (Jack DeJohnette, Roy Ayers, and Joey DeFrancesco); and the pop sphere (the eclectic banjoist Bela Fleck). He has often performed and recorded with his brother, percussionist James Tawadros.

Tawadros has been widely acclaimed for his recordings, which began in 2004 with his solo oud album Storyteller. At Australia's ARIA Music Awards, he won the Best World Music Album award in 2012 for Concerto of the Greater Sea, in 2013 for Chameleons of the White Shadow, and in 2014 for Permission to Evaporate. On his 2016 album World Music, Tawadros played no fewer than 52 different instruments, with his brother adding 11 more. In 2019, he released the album Betrayal of a Sacred Sunflower, featuring electric guitar, violin, trombone, and piano, and the following year he was heard on the Twilight People album of countertenor Andreas Scholl, performing on his own song composition Beauty is Life. Tawadros lives in London but has continued to perform frequently in Australia.
https://www.allmusic.com/artist/joseph-tawadros-mn0002015689/biography

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Biografía
por James Manheim
Joseph Tawadros es uno de los mejores intérpretes del mundo de oud, un instrumento de cuerda característico de los sistemas de música artística del mundo árabe. Destaca especialmente por la variedad de sus colaboraciones con músicos de música clásica, jazz y pop.

Tawadros nació en El Cairo en 1983. Su familia se trasladó a Australia cuando él tenía tres años, pero ha mantenido vínculos con la región del Mediterráneo oriental, formando parte de jurados de concursos de laúd en Damasco (Siria) y Estambul (Turquía). Al principio, Tawadros quería tocar la trompeta, pero a los ocho años vio una película sobre el cantante popular egipcio Sayed Darwish y decidió dedicarse a un instrumento más característicamente egipcio. Tawadros estudió en la Universidad de Nueva Gales del Sur y se licenció en música. También recibió clases de varios instrumentos en viajes a Egipto, entre ellos el violín (de estilo árabe) con Esawi Dagher, la flauta de bambú nay, la cítara qanun y el violonchelo, así como el oud. También es compositor y ha escrito música para cuatro películas, entre ellas el éxito de 2017 La boda de Ali. Tawadros ha realizado giras por cuatro continentes, generalmente colaborando con músicos de otros ámbitos. Entre sus colaboradores figuran conjuntos clásicos (la Orquesta de Cámara Australiana, la Academia de Música Antigua de Londres, donde se convirtió en el único compositor australiano de cualquier tipo en ver interpretada su música, y la Sinfónica de Sídney); jazz (Jack DeJohnette, Roy Ayers y Joey DeFrancesco); y la esfera pop (el ecléctico banjoísta Bela Fleck). Ha actuado y grabado a menudo con su hermano, el percusionista James Tawadros.

Tawadros ha sido ampliamente aclamado por sus grabaciones, que comenzaron en 2004 con su álbum en solitario con laúd Storyteller. En los ARIA Music Awards de Australia, ganó el premio al Mejor Álbum de Música del Mundo en 2012 por Concerto of the Greater Sea, en 2013 por Chameleons of the White Shadow y en 2014 por Permission to Evaporate. En su álbum World Music de 2016, Tawadros tocó nada menos que 52 instrumentos diferentes, y su hermano añadió 11 más. En 2019, publicó el álbum Betrayal of a Sacred Sunflower, con guitarra eléctrica, violín, trombón y piano, y al año siguiente se le escuchó en el álbum Twilight People del contratenor Andreas Scholl, actuando en su propia composición de canciones Beauty is Life. Tawadros vive en Londres, pero sigue actuando con frecuencia en Australia.
https://www.allmusic.com/artist/joseph-tawadros-mn0002015689/biography


josephtawadros.com ...

Bob Brookmeyer • Electricity

 

 

  

Rale Micic, John Abercrombie, Peter Bernstein & Lage Lund • Inspired

 

Colaborador / Contributor:  Mich58